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Episodio 2.8

Entrevista con Emily Johnson, por Peter Hay, 4 de diciembre 2020

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Emily (E): Así como no somos postcolonialismo, no creo que nunca seamos post pandémicos. Estas interrupciones mortales en el espacio-tiempo no desaparecen. Persisten y están realmente en relación. COVID ha dejado en claro que las desigualdades sistémicas impuestas a la tierra de lo que actualmente se conoce como EUA, existen exactamente como pretende el proyecto colonial en curso de los primeros pobladores no originarios. Nosotras -es decir, todas las personas marginadas-, somos racializadas, sexuadas, discriminadas, abusadas, heridas o asesinadas. Estamos destinadas a vivir en un espacio bajo el talón de la conquista. Muchas instituciones culturales en lo que se llama Estados Unidos de América, continúan elevándose, valorando y afianzándose en los valores de la supremacía blanca. Muchos. No todos. Lo que me gustaría que consideráramos profundamente en las artes escénicas son las leyes, procesos y protocolos soberanos Indígenas de las tierras en las que vivimos y/u ocupamos: un proceso de aprendizaje, un proceso de relación. Algún día, se reconocerán los derechos civiles y la soberanía de los Pueblos Indígenas en relación con la tierra. Algún día, el desequilibrio y la extracción de poder no serán la relación predeterminada en nuestra vida laboral. Y algún día no se tolerará el robo, los abusos y la falta de reconocimiento de la tierra y el agua de los Indígenas. Los detalles son específicos. La abolición es específica. La soberanía es específica. Representación, el acceso es específico. La tierra en la que te encuentras es específica. Y las interrelaciones de la descolonización en todos los procesos -la descolonización en sí-; un proceso hacia la equidad y la justicia pueden y deben ser interseccionales. Escuchemos lo que significa “Land Back“. Aprendamos lo que puede ser. Comprometámonos a no saberlo por un tiempo. Y al mismo tiempo, deshacer lo que no está bien. Y lo podremos hacer con alegría. Y créanme, no siempre es alegre, pero puede serlo. Y, eh, y eso es lo que me da esperanza, eh, para nuestro futuro presente, y para nuestro futuro futuro. Gracias.

Peter (P):  Emily Johnson es una artista que crea trabajos basados en el cuerpo. Es protectora de la tierra y el agua; y activista por la justicia, la soberanía y el bienestar. Coreógrafa ganadora del premio Bessie, becaria Guggenheim y ganadora del premio Doris Duke Artist Award; vive en Lenapehoking/Nueva York. Emily es de la nación Yup’ik y desde 1998 ha creado trabajos que consideran la experiencia de percibir y ver el performance. Sus danzas funcionan como portales y procesiones de atención. Involucran al público dentro y a través del espacio, el tiempo y el entorno; interactuando con la arquitectura, los pueblos, la historia y el papel de un lugar en la construcción del futuro. Emily está tratando de crear un mundo en el que el performance sea parte de la vida; donde es una conexión integral entre nosotros, nuestro entorno, nuestras historias, nuestro pasado, presente y futuro.   

Emily organiza fuegos ceremoniales mensuales en Mannahatta en asociación con Abrons Arts Center y Karyn Recollet. Fue co-compiladora del documento “Creando Nuevos Futuros: Pautas para la Ética y la Equidad en las Artes Escénicas”, y es parte de un grupo asesor -junto con Reuben Roqueni, Ed Bourgeois, Lori Pourier, Ronee Penoi y Vallejo Gantner-, para desarrollar la Red de Artes Escénicas de las Primeras Naciones.

Peter (P): ¡Hola Emily, bienvenida al podcast! Muchas gracias por acompañarnos hoy. Acabo de dar una breve biografía y una descripción de quién eres y algunas de las cosas que has hecho, pero me pregunto si te gustaría describir quién eres tú en tus propias palabras.

(E): Si. Hola. Es bueno charlar contigo y sí. Es muy lindo tener esta conversación tú. Um, sí. Soy Emily Johnson y soy una creadora de danzas, una recolectora de gente y una protectora de la tierra y el agua, y crecí en la tierra de Tanaina en Alaska. Soy de la nación Yup’ik y ahora vivo en el Lower East Side de Manhattan en Lynette Bay Hill King. Y sí, siento que estoy en constante movimiento. Voy a agregar eso,  como, algo que me parece también pertinente decir. No sé por qué.

P: ¡No, está bien! Bueno, tú eres coreógrafa, así que hay una conexión directa. Siento que quizás hay una ironía en estar en una pandemia y también tener constante movimiento.

E: ¡Exactamente! Si. Creo que eso es lo que estaba pensando. Tengo una oficina en Abrons Arts Center, que está en el Lower East Side de Manhattan. Y puedo mirar hacia afuera y ver, no sé cuántos cientos de ventanas de apartamentos y hay una quietud… Y por supuesto, esta quietud que de alguna manera hemos estado viviendo durante estos meses aún. También hay siempre esto, este enraizamiento de un acentuado movimiento. Supongo que sí, de alguna manera lo estoy sintiendo hoy. Quiero decir, como coreógrafa y bailarina, pienso en el movimiento todo el tiempo -no solo en el tipo de movimiento gestual, sino en el movimiento dentro de nuestros cuerpos, nuestros pensamientos, nuestra conversación, moverse a través de la distancia, la sangre moviéndose, nuestra la respiración se mueve-, y pienso en ese tipo de movimiento en relación con el mundo. Así que, supongo que siempre estoy pensando en ese tipo de movimiento. No había pensado en esto, pero quizás de alguna manera este “forzar” o esta “menor quietud” que estamos viviendo ahora mismo, para mí acentúa aún más todo este otro movimiento. 

P: Si. Si. Es como si estar quieto ayudara a poner en contexto el movimiento de todo lo demás. Y es interesante porque mencionaste un poco de dónde eres y sé que una de las cosas que realmente me llamó la atención la primera vez que vi uno de tus trabajos, era el movimiento, tu conexión con el lugar y la experiencia personal con el lugar. Y me he dado cuenta de que era como si algunos de los movimientos tuvieran una acción muy parecida a un animal. Crecí en la zona rural de Oklahoma, así que he observado un poco a los animales y todo. Desde pájaros que se mueven, hasta la forma en que un ciervo pisa con cuidado y todas esas cosas. Pero tengo curiosidad por saber un poco más de dónde eres y tal vez esa experiencia de vida, y cómo eso influye en el movimiento que haces.

E: Si. Justo cuando estabas hablando de eso, en realidad estaba recordando la sensación de mis pies en la tierra donde crecí, ¿sabes? Entonces yo crecí en una zona bastante rural del suroeste de Alaska en Kenai, lo que se llama la península de Kenai. No crecí en la tierra natal de Yup’ik. Donde nací está un poco más afuera de las montañas-, era muy boscoso y la tierra muy musgosa, de alguna manera muy esponjosa. Y estoy hablando de la tierra ahí afuera de la casa/hogar en donde crecí, en donde pasé mucho tiempo en el bosque con los árboles, caminando y recogiendo arándanos rojos y jugando con mis vecinos. Y sí, la sensación de esa tierra todavía me viene de una manera realmente visceral. Y también, cuando pisas esa tierra, está toda la vida vegetal y material, y también tiene un olor muy a acre. Entonces -de alguna manera-, estás en un espacio muy sensorial cuando estás allí. Y sabía eso, ¿como decirlo?, cuando era niña me encantaba esa sensación de empujar mis dedos contra ese musgo. Y puedes empujarlos muy adentro y tus pies se aplastan cuando lo pisas. Y luego, por supuesto, está el frío profundo y el congelamiento del invierno allí, y la pesca en la playa, y no sé, solo la tierra… la tierra misma. Siempre hay una fuerza creciente y la naturaleza es ​​una maestra realmente presente, presente, presente, presente para mí. Y la cantidad de tiempo que pasé al aire libre, creo que también fue parte de eso. Y realmente no pienso, como, cuando estabas hablando de los movimientos o estabas pensando en algunos de mis movimientos como animales, lo veo y lo entiendo. Pienso en relación, como, cuando me estoy moviendo, pienso en mi cuerpo en relación con la tierra -incluso si no estoy en la tierra-, si estoy en un escenario de concreto o madera amortiguado, lo que sea, donde quiera que esté, también pienso en la tierra debajo. Y realmente estoy bailando con esa tierra más que con el piso, diría yo. Y pienso en esa relación a través del material de los edificios también. He escrito sobre correr por el bosque y fingir que era un ciervo, ¿sabes?, como tratar de ir tan rápido que pueda agacharme bajo las ramas y saltar sobre un tronco. Y no creo que estuviera tomando inspiración, pero estaba tratando de usar mi cuerpo de una manera diferente. Entonces así es como lo pienso, como, ¿cómo sientes esa relación a través de tu cuerpo? Si.

P: Sí, definitivamente… No sé, solo estoy pensando en algunos de los proyectos que has hecho en el pasado y su relación con el lugar. Hablaste sobre la tierra debajo del escenario y estoy pensando, hay una obra que hiciste -creo que fue en FSU en Florida-, y era centrado en las cosas que fueron desplazadas y que estuvieron donde está el edificio. Y tengo curiosidad por saber si podrías hablar un poco sobre cómo exploras esa idea con el movimiento.

E: ¿Explorar la idea de desplazamiento en particular? Si. Creo que estás pensando en la obra, The Thank-You Bar, que fue hace bastante tiempo. Creo -quiero decir-, es un trabajo en que todavía pienso  mucho. Uh, uno de los motivos… sí, es gracioso cuando empiezo un trabajo nuevo, encuentro que el trabajo me enseña qué es lo que está dentro, ¿sabes? Por eso dudo en decirlo, porque no tenía la intención de que esta pieza tuviera ciertos temas. Es como, empiezo algo y luego me muestra lo que es. No estoy segura de cuál es la palabra, pero una de esas cosas fue el desplazamiento. Así que realmente extrañaba mi hogar cuando comencé a hacer ese trabajo. Crecí en Alaska, me fui a la universidad, fui a la Universidad de Minnesota. En el momento en que comencé a hacer The Thank-You Bar, había vivido fuera de Alaska por mucho tiempo y realmente añoraba esa tierra, esos olores, esa relación. Aunque mi familia está allí y siempre voy de visita, pero, creo que extrañaba estar allí todo el tiempo. Y así, realmente, esta obra comenzó con una profunda nostalgia, y luego comencé a pensar en el hogar y no solo en las estructuras del hogar, pero en los diferentes tipos de estructuras y formas en que construimos conceptos de hogar o comunidad, cómo es la comunidad tu hogar, o cómo diferentes animales y pájaros construyen sus hogares, cómo nos encontramos en los lugares, si hemos elegido lugares o si hemos sido obligados a ir a diferentes lugares. Y eso es donde vino el desplazamiento y comencé a pensar en el desplazamiento como algo que, uh, todo se sentía mucho como un tejido conectivo a través de tantos seres diferentes. Y más allá de la raza humana, más sobre los desplazamientos forzados, las mudanzas forzadas, migraciones que los humanos y nuestros animales pueden sufrir, vivir y sobrevivir. Y en mi caso, yo elegí dejar el lugar donde crecí y elegí trasladarme. Y estaba tratando de entender este “por qué” en esa elección. ¿Qué pasa con esa elección? Eh, todos los elementos de esa elección. Hubo sufrimiento en esa elección, ciertamente, pero también hay todas estas nuevas experiencias y diferentes formas de aprendizaje y diferentes caminos de mi vida que solo sucedieron porque tomé esa decisión. Entonces el The Thank-You Bar realmente estaba mirando muchas de estas historias, y elementos en él y de este tejido conectivo. Entonces fue un espectáculo de danza, pero también fue una exhibición. Mi amiga, Carolyn Lee Anderson, ella es Diné. Um, curamos una exhibición de obras de -olvido cuántas personas ahora porque han pasado algunos años-, de todas las Primeras Naciones y artistas indígenas, películas y obras de arte, pinturas y tejidos, todo trabajo centrado en este tema del desplazamiento y nuestras formas de encontrar relación con el hogar, como sea que lo definamos. 

P: Sí, me alegro de que hayas mencionado la exhibición. Creo que hay una especie de profundidad real en gran parte del trabajo que creas porque no solo es que la danza en sí misma -sea inherentemente mala o no sea profunda-, sino que que hay algo realmente interesante en la exploración multinivel que ocurre en tu trabajo. Estoy pensando en el proyecto Shore, en el que tienes varias partes que se unen como una sola. Y pienso, ¿esa obra fue después de The Thank-You Bar?

E: Concebí esta trilogía de obras. The Thank-You Bar fue la primera de esta trilogía. Una obra llamada Niicugni, que es una palabra Yup’ik que significa “prestar atención”, fue la segunda. Y Shore fue la tercera de esta trilogía, que también -bromeando-, pienso en como eso sigue en curso porque luego hubo una cuarta, y ahora se está haciendo la quinta, ¿sabes? Es como, comienzas en un camino y es simplemente se expande. Así que sí, Shore fue, um… como dije, cada pieza me enseñó la siguiente y la siguiente. Entonces, la segunda de esa trilogía –Niicugni-, fue un trabajo que realmente se centró en la atención a las relaciones a las que quizás no siempre prestas atención, ¿no? Entonces, el suelo debajo del teatro, el espacio fuera de las paredes del teatro, las personas sentadas a tu lado, las personas que tal vez te cruces en la calle, las personas cuyas tierras ocupas, los animales que desplazas o los animales que están migrando, ¿sabes?, a través de las diferentes activaciones estructurales dentro de ese trabajo. Una de esas activaciones estructurales fue crear 50 linternas de peces hechas de piel de pescado. Entonces, la pesca, la recolección de salmón siempre ha sido una parte importante de mi vida y obviamente de la vida cultural. Y nunca había sabido cómo trabajar con piel de pescado, así que lo aprendí de una maestra increíble y cestera de piel de pescado, Audrey Armstrong. Y así aprendí a trabajar con piel de pescado, Mi mamá y yo hicimos un taller con Audrey y le dije lo que quería hacer. Yo estaba como, solo veo estos orbes luminosos, hechos de piel de pez. Ella estaba como: “¡Genial! Una vez que sepa cómo trabajar con esto, puedes hacer lo que quieras”, como diría un gran maestro. Y entonces comencé, comencé como, okay, ¿cómo hago esto?, como, esta linterna de piel de pez que, de alguna manera, tiene una luz dentro y muestra la piel, es translúcida de una manera. Y se ve vieja. Me llevó como cuatro días hacer una. Y yo queria 50 de ellas. Entonces pensé: “Bueno, no puedo hacer todo esto yo sola”. Entonces, con el gran centro de residencia, Vermont Performance Lab, Sara Coffey, ella estaba como: “Bueno, ¿por qué no hacemos un taller que trate de hacer estas linternas? Y reunimos a todas estas personas. Y le enseñé a la gente a trabajar con las pieles, a filetearlas. Cocinamos el salmón, la gente hizo sopa y todo tipo de cosas. Y todo era salmón salvaje de mi tierra de origen. Y entonces, a través de este proceso trabajamos con el salmón: este pariente que amo y que es literalmente parte de mi amor, mi sangre y mis huesos. Y estamos hablando de todo, desde la cultura hasta la migración, los problemas ambientales, las fuentes de alimentos, hasta por qué no queda salmón salvaje en el río Connecticut -por ejemplo-, o de la gente compartiendo sus historias sobre lo que hacen. Y trabajamos muy duro. Es muy laborioso sacar toda la grasa y todo el raspado de la piel. Y luego cosíamos y lo íbamos resolviendo porque no hay una sola manera de hacerlo, ¿sabes!, los peces tienen diferentes formas y tamaños, así que todas las linternas son de diferentes formas y tamaños. Y entonces, hicimos estos talleres en todo el país, y esta es una forma larga de decir que eso me enseñó que la gente se unió por años para hacer estas linternas de piel de pez para el espectáculo. La gente estaba bastante comprometida en esta danza, ¿no? Ni siquiera se había hecho por completo  todavía, yo estaba ensayando al mismo tiempo mientras hacíamos las linternas en diferentes residencias y procesos. Yo estaba como…, me asombró. Yo estaba como: “¡Wow! Todas estas personas están tan interesadas en una danza.” Y cuando esas linternas se terminaron y se colocaron sobre el escenario para crear un segundo techo que se inclinó, y la audiencia… fue como su presencia, la presencia de todas estas personas, y los peces, y los antepasados de los peces y la gente, fue tan real para mí. Y eso me enseñó la siguiente obra después de Niicugni. Yo estaba como: “Ah, haber involucrado a toda esta gente…” ¡Oh, Dios mío! Hay un halcón de cola roja volando en círculo en este momento. Es un sitio muy asombroso, justo sobre Grand Street en el lado de Eastside. Um, la estoy viendo mientras te digo esto.

P: Es ese “movimiento” del que hablamos anteriormente…

E: Si, exacto. Es como, aaaaah … Niicugni me enseñó, me guió y me trajo para hacer Shore. Porque yo estaba como, ok, al reunir a la gente, la gente quiere pasar tiempo junta, quiere poner sus energías en hacer algo. Y entonces comencé a pensar en nuestro futuro. Empecé a pensar en formas en las que podríamos pasar tiempo juntos, como visualizar un futuro mejor y crear caminos para eso, esos futuros mejores. Entonces Shore se centró en las preguntas: ¿Qué quieres para tu bienestar? ¿Qué deseas para el bienestar de tus amigos y familiares o de tu comunidad? Y ¿cómo lo defines, o su mundo cómo lo definen? Y fue con el Native American Community Development Institute (NACDI) en Minneapolis que diseñamos esas preguntas y nos centramos en esta palabra el “querer” más que en “necesidad”. Realmente estábamos pensando en el “querer” en términos de deseo y en términos de “me gusta”, pensando que “necesidad” es inclusiva dentro del “querer”, pero ese “querer” puede ponerte en un espacio de visión y sueño. Y construimos algunos talleres para reunir a la gente a pensar en estas preguntas, y pensar cómo ellos podrían activar las visiones que vinieron con la idea. Y Shore fue diseñada estructuralmente como una actuación y también un día o, a veces, dos días de talleres comunitarios y no comunitarios. No lo llamamos voluntariado, pero lo era, había días en los que la gente venía a recibir “acción comunitaria”. Entonces, las personas se unen para trabajar en el mundo en función del enfoque comunitario. Así que este trabajo era diferente en cada lugar -por supuesto-, porque sus problemas eran diferentes en cada lugar. Y hubo una fiesta como en Shore y un día de narración, narradores locales. Um, entonces todas estas reuniones de diferentes personas ocurrieron en un día diferente durante la semana. Podrías venir a una parte, podrías simplemente venir a la fiesta o podrías venir a todo y haber sido parte de Shore. Habías sido parte de este proyecto de performance. Estaba tratando de decir que el performance es una parte vital de nuestra vida, y no solo nuestra visión, sino también nuestro crear mundos juntos. Y lo hicimos es que hablábamos entre nosotros, mientras plantábamos árboles y arbustos en una duna en las lejanas Rockaways que habían sido dañadas por el huracán Sandy, lo hacíamos juntos a la luz de los arroyos. Lo hacemos al presenciar y experimentar el performance juntos. Lo hacemos escuchando a niños y mayores compartir historias. Ya sabes, nosotros, eso, en todas estas formas y todas estas cosas, éramos una parte activa del carácter de compartir del performance.

P: Creo que es simplemente hermosa la forma en que mencionaste como en el “querer” se esconde nuestra necesidad, porque siento; simplemente me hizo pensar que tenemos las necesidades básicas, que son como comida, agua, refugio, ropa; pero es realmente  todo lo que necesitamos como seres humanos y en esos deseos es realmente donde está escondida nuestra humanidad actual. ¿Y con qué frecuencia reprimimos eso?

E: Y luego, el punto específico era realmente lo que estábamos tratando de abordar. Eso fue parte de nuestra conversación en la construcción de estos talleres y la construcción de esas preguntas con NACDI. Así que NACDI está situado en Franklin Avenue en Minneapolis, que es como un corredor indio americano. Así lo llaman, es como un lugar de reunión. Y es donde se concentra tanto activismo y trabajo en Minneapolis, que en particular tiene una comunidad de las Primeras Naciones realmente fuerte. 

P: Esa es también la población indigena urbana más grande, ¿no?

E: Eso creo. No estoy segura de los números, digo, viví en Minneapolis durante mucho tiempo y  esta mañana estaba pensando en todas las mujeres Dakota en mi vida. No sé por qué están tan presentes en mi mente, como, ¡wow! Mona Smith y Gwen Westerman, y Kate, Carly Beane y Carolyn. Carolyn no es Dakota, pero bueno, esta mañana realmente extrañaba a estas mujeres indígenas realmente generosas y poderosas en Minneapolis, quienes realmente son el centro de re-matriz del trabajo. Y aprendí mucho simplemente estando en proximidad y haciendo diferentes proyectos, y asistiendo a reuniones con mujeres realmente poderosas. Pero para terminar este largo punto -que era ese querer y necesidad-, como, sí, hay tanta necesidad y tenemos que abordar la necesidad. Y las comunidades de color y las comunidades indígenas muchas veces, cuando se abordan, se trata de la necesidad, ¿verdad? Es como, ¿qué necesitas? Y con eso, estábamos realmente como si también quisiéramos tener un espacio para soñar. También queremos tener espacio como para movernos. Si, para abordar nuestras necesidades. Y creo que estamos cansados ​​de los procesos en los que la conversación solo se puede abordar hasta cierto punto, ¿sabes a lo que me refiero? Así que queríamos impulsar eso.

P: Es como, siento que esa es una perspectiva muy centrada en Occidente. Eso ha sido impuesto a mucha gente, ¿sabes?, tenemos esa idea de necesidad. No se necesita todo ese espacio, se puede tener este pequeño espacio y podemos enviarles algo de comida, y estarán bien. Eso es todo lo que necesitan, pero ¿es solo eso lo que realmente necesitan los humanos? ¿Sabes? Estoy realmente asombrado por la cantidad que has reunido y aprendido a lo largo de tu carrera coreográfica y dancística. Y no sé exactamente cómo están funcionando todos tus proyectos en este momento porque este año no ha sido normal. Pero parece que todo esto ha guiado algunos de los proyectos más recientes que has realizado o proyectos en curso. Organizas fogatas mensuales en donde la gente se reúne, y cuenta historias, y comparten. Tengo mucha curiosidad por saber un poco más sobre un proyecto que hiciste, en donde la gente era invitada a pasar la noche y mirar las estrellas. Parece un camino evolutivo muy orgánico de tu trabajo. Y, sí, supongo que tengo curiosidad por saber un poco más sobre, específicamente, esos dos proyectos. Creo que un artículo decía algo sobre “la fiesta de pijamas más increíble de la historia”. Pero también disfruto mucho la idea de que la gente se reúna alrededor del fuego y comparta historias. Así que esos dos proyectos me intrigan mucho.

E: Bueno, claro, estos dos proyectos son buenos. Shore tuvo estos cuatro elementos que estuvieron relacionados en cuatro diferentes días. Y después de hacer giras con Shore, durante muchos años estaba viendo que las afinidades se comenzaban a construir. Esas mismas personas llegaban al  performance y al banquete, o regresaban… Y eso me llevó a preguntarme qué es lo que hace a la gente querer estar junta. Recibimos el mensaje de -no sé quién-, pero recibimos el mensaje de que las cosas deben ser rápidas y en una hora. Y en realidad yo estaba experimentando lo contrario. Yo estaba como: “¡Oh!, la gente realmente quieren venir y sentarse, y quedarse después del banquete y seguir tomando otra taza de té”. Entonces pensamos en este proyecto que duró toda la noche. Ok, ¿cómo creamos un tiempo y un espacio juntos, y una invitación para que las personas pasen juntas desde la puesta del sol hasta justo después del amanecer? Eso es justamente parte del performance. Y nosotros, eh, estar ante la fogata durante la noche y contar historias durante la noche, es un trabajo que se basa en la tierra. Es decir, estamos en tierra toda la noche. Y a través del proceso de pasar esa noche juntos, podríamos pasar al día siguiente con suficiente descanso y fortaleza para hacer el trabajo que se necesitaba hacer,  ¿no? Así que la noche fue como para abordar, y desenterrar y como empujar eso un poco. No se supone que duermas, pero se puede dormir. Me encanta cuando la gente duerme esa noche, um, ya sabes, estamos presentando ofrendas, contando una historia y bailando toda la noche allí. He trabajado con Jen Ray, quien trabaja con los alimentos, trabajador de justicia y justicia alimentaria, trueque, comercio y la construcción de un menú que está en relación con el sol y la tierra. Y se invita a la audiencia a ser responsable. Y yo estaba como: “¿cómo estás?”. Intento invitar a la gente a un espacio con la ternura adecuada y también con la expectativa que tengo de ellos, ¿no? Así que, ok, ven al campamento, ven, hemos creado esta noche. Pero también necesitábamos que fueran buenas noches. Necesitábamos ayuda a preparar la cena y ayudar a preparar el desayuno, y desplegar las mantas, o, cuidar el fuego -obviamente-. Cómo construimos estos sistemas de nuestra comunidad durante la noche es también cómo construimos prácticas de fabricación y protección y tu propia resiliencia. Y hay una conversación a las 3:00 de la mañana, que se trata de eso. Y pienso en esa noche. En realidad, estás despierto toda la noche, por lo que produce este estado como de ensueño, como un espacio alterado. Es un desafío pasar esa noche juntos, pero realmente aprecio a todos los que participaron de ese desafío y pasaron ese buen momento juntos, en un esfuerzo por hacer que el día siguiente, y el día siguiente, y el día siguiente sean mejores, ¿sabes?

P: Eso es hermoso. Y siento que probablemente también hay una sensación conjunta de logro y afinidad después de eso.

E: ¡Espero que si!

P: Si. Me recuerda a cuando te juntas con tu familia para un evento o una celebración, o, como estar en un funeral o una boda; todos tienen su parte, es como, no aparezcas esperando a solo sentarte y experimentarlo. Vas y eres parte de ello. Y creo que lo necesitamos, ¿sabes?, necesitamos sentirnos necesarios. Entonces, creo que ese es un aspecto increíblemente único y hermoso de estos trabajos que has estado realizando. Así que tengo curiosidad, porque ¡hay tanto, Emily!, que podríamos hablar por horas. Estoy realmente impresionado por lo mucho que has hecho en los últimos 10 años. Tengo curiosidad por saber cómo haces o de dónde vienen tus mayores influencias creativas.

E: Hmm. Quiero decir, volvería a la tierra de nuevo. Mi querida colega, amiga y hermana Karen Reckally, ella es Cree, vive en Toronto. Recientemente estuvimos en un panel… No en un panel, era en una conversación. Y le estaba contando a la gente cómo me enseñó a mirar hacia arriba desde el suelo. Como los bailarines siempre dicen “concentrate”, ¿sabes? Y lo hago debido a esta atención y al pensar a través del suelo, es como si pudiera viajar por el espacio a través del suelo, como si pudiera estar en dos lugares a la vez porque lo he estudiado y he tratado de averiguarlo por unos 15 años. Y cuando pienso en el suelo, puedo ver el mundo entero, ¿sabes?, estoy agradecida por eso. Pero Karen piensa en lo celestial mientras piensa en los aterrizajes de LAS estrellas y piensa en caer hacia arriba. Y es como -literalmente-, pienso en cómo ella atrajo mi atención desde el suelo hasta las estrellas, y más allá. Así que cuando me preguntas acerca de la inspiración o dónde está la fuente para mí, pienso en dar un simple paseo. Pero ahora también pienso en cuando estoy caminando, estoy pensando en nosotros mismos, nosotros mismos y nuestro alma, todos nosotros como seres humanos y más que humanos, en la forma en que nos expandimos, ¿verdad? Cómo nos expandimos dentro del suelo y mucho de cómo nos expandimos hacia arriba, más allá de este celestial. Um, supongo que no es un paseo tan simple, pero para mí, ahí es donde encuentro emoción, pensamiento, poder y calma.

P: Sí. Sí. Una de las cosas que me hace pensar es cuando tengo una visita al estudio o veo un ensayo general y me piden algún tipo de comentario. Si solo estoy hablando del proceso creativo, una de las cosas que siempre hago es tratar de darme cuenta de cuál es el tipo de tema general o motivación de una persona, y les sugiero que exploren lo contrario, porque, tal vez convertirán esa cosa que es cómoda si obtienes una perspectiva diferente. Y también está conectado y es una forma realmente increíble de cambiar un poco tu perspectiva. Para ti, a través de todo este trabajo que has estado haciendo, o ahora mismo durante este tiempo, ¿alguna vez te ha resultado difícil mantenerte motivada o tienes alguna forma de mantenerte motivada a través de todo esto?, o ¿Te sientes bastante motivada en este momento?

E: Dios, voy a hacer trampa y decir las dos a la vez, jaja, pero es la verdad. Quiero decir, en este momento de esta pandemia y también de todo lo que ha mostrado luz en términos de las inequidades que -por supuesto-, todos sabíamos y sentíamos que estaban presentes. Pero también todo nuestro levantamiento y los reclamos por la tierra ahora mismo, y los movimientos que debemos enfrentar hacia la justicia. Eso es lo que siento. Yo digo, tenemos, tenemos que enfrentar la llamada de recuperar nuestras tierras. Tenemos que satisfacer las necesidades de liberación de la raza negra. Tenemos que encontrar salud y bienestar para todas las personas. Y eso para mí también se extiende a todos nuestros familiares, ¿no? Pero el mundo, la tierra, los árboles, así que realmente he conducido en este espacio de pensar, hacer y espacio activo, que son todos los espacios. Y al mismo tiempo, me pregunto, okay, ¿qué es ser coreógrafo en este momento? Organizo estos fuegos aquí en el Lower East Side que ahora podemos reunir en distanciamiento social que durante meses no pudimos. Mantuvimos el fuego pero le pedíamos a la  gente que mantuviera su propio fuego, vela o lo que tuviera. Y realmente pensamos en el cambio de la forma del fuego y cómo ese fuego seguía siendo una fuerza central en donde podíamos reunirnos. Y Karen y yo realmente intentamos pensar juntas en estas fogatas. Realmente intentamos que el fuego nos sostuviera en este difícil momento y cómo también podríamos aprender a extender nuestra respiración, extender nuestro potencial a través de este momento y a través del fuego. Y, ¿sabes?, ese es un proceso continuo de cómo podemos presentarnos mejor y extender nuestro cariño el uno al otro. 

P: Mencionaste activismo, pero también eres—hemos estado hablando mucho sobre tus proyectos locales comunitarios, y eso me hizo recordar que en los últimos años has estado trabajando bastantemente con el crecimiento de una nueva red y muy comprometida con el inicio de un nuevo festival, que coincide con APAP y que probablemente se enfrentará a muchos desafíos esta próxima temporada. Tengo curiosidad por saber cómo están progresando esos dos proyectos y hacía dónde ves que van caminando. Y supongo, no quiero quedarme demasiado colgado en los efectos de la pandemia, porque estoy seguro de que todo está muy afectado, pero supongo que me gustaría saber más sobre de dónde vinieron esos proyectos y a dónde realmente quieres que vayan.

E: Sí, sí. Soy parte del proceso de creación de una red de artes escénicas de las Primeras Naciones, para apoyar, comisionar y construir relaciones con y para las Primeras Naciones y artistas escénicos Indígenas en lo que se llama los Estados Unidos de América. Hay una escasez histórica y completamente racista de apoyo para las Primeras Naciones y los artistas escénicos Indígenas en este país y hay una riqueza en ello. Odio usar estas palabras pero hay tantos artistas, tantos artistas escénicos haciendo un trabajo tan increíble en nuestras ciudades, en esta tierra; y lo que nos falta… ni siquiera tenemos una red en la que entre nosotros podamos conectar. Tenemos muchas redes pequeñas y formas de encontrarnos unos a otros, y formas de construir relaciones y logros, pero queríamos intentar crear algo que pueda amplificar y apoyar nuestras voces y nuestras voces artísticas también; y construir realmente una red sólida de apoyo a los artistas, para que los artistas de las Primeras Naciones e Indígenas sepan que puede ser un camino para ellos si lo desean. Y que puedes elegir actuar en escenarios de la ciudad de Nueva York o en escenarios de tu tierra natal, o en cualquier lugar, y en todos los espacios intermedios. Y también el enfoque de esta red en particular siempre ha sido construir algo que sea globalmente relacional. ¿No? Entonces eso funciona con artistas en el Sur global, en Australia, en Taiwán, en Finlandia, como en todas partes, ¿verdad? En toda la Isla Tortuga; para que construyamos nuestras relaciones sólidamente, que nos cuidemos unos a otros, y apoyemos las voces y las visiones de los demás en todo el mundo Indígena. Entonces eso es lo que estamos tratando de construir y estamos a punto de contratar, estamos yendo a un proceso de contratación para un director de proyecto. Entonces eso será realmente emocionante. Sí, con suerte eso -ya sabes-, realmente puede ser la construcción sólida de su propio camino. Y sí, estoy muy emocionado por eso.

P: Excelente. ¿Y el año pasado fue el primer año que organizaste la parte del festival?

E: No. Diálogos de las Primeras Naciones ha estado sucediendo, veamos… el tiempo es tan extraño este 2020. Ok. Creo que Diálogos de las Primeras Naciones comenzó en 2017. Creo que al menos lo llamábamos por el nombre de pila, creo. Um, y este era un performance en donde yo misma en Australia actué una pieza llamada Blak Dance junto con otros artistas escénicos y grupos de artes escénicas. Entonces, en 2017, a través de Performance Space New York como ahora se llama -se llamaba “PS 122” antes-, organizamos una mesa redonda llamada The Young Macaque, que se basa en la artista, Lois Weaver. Esta artista mantiene una conversación en la que hay protocolos específicos sobre provocaciones y el tipo de formas en las que se activan, entran o retroceden en una conversación que se apartó del diálogo. Entonces reuní un consejo de mujeres Indígenas y mujeres de lo que se llama Australia, Canadá y los Estados Unidos; y centramos las provocaciones en la Indigenidad en el mundo de las artes escénicas. Y nuestras provocaciones estaban alrededor de oponerse, la percepción, la invisibilidad, las provocaciones relacionadas con la tierra. Como, aquí es Lenapehoking, la conversación se centró en la investigación y proceso ceremonial, y también en la construcción de un amor radical que descoloniza. Y creo que fue una conversación de siete horas, dirigida al público y a los presentadores y orientada a tener un diálogo profundo donde la Indigenidad es el centro y se manifiesta a través de estas provocaciones. Podríamos construir ese amor decolonial hacia adelante, ¿no? Como mi amiga Karen siempre está hablando de -o en aquel momento hablaba mucho sobre-, la ruptura y cómo podríamos entrar en espacios de ruptura, pero de una manera que podamos construir más potencial profundamente, no perdernos en una ruptura. Y esto realmente comenzó una conversación profunda… Bueno, no comenzó; esta conversación ha estado sucediendo durante décadas. Hay innumerables de nuestros predecesores que han estado haciendo este trabajo. Y esta conversación es parte de ese trabajo en curso. Y desde allí comenzamos a tratar de construir relaciones con aliados y cómplices, con instituciones dirigidas por colonizadores aquí en Nueva York, y en Australia_, y más allá. Y simplemente comencé a soñar con esta forma en la que podríamos cambiar esas organizaciones para que estén centradas en los Indígenas. Siempre pienso en cambiar el ADN de una organización, cambiar una organización estructuralmente y el cambio de los sistemas que debe ocurrir dentro de las organizaciones para desmantelar las historia de, bueno, de supremacía blanca, pero, seguir construyendo nuestras organizaciones sin fines de lucro, ¿sabes? Y entonces es un trabajo profundo, es un trabajo profundo de hacer, ¿sabes? Construir estas relaciones es una gran parte de ello. Y de ahí -en particular con Blak Dance-, continuamos esas conversaciones, tanto en Australia en diferentes conversaciones y reuniones; y aquí durante enero durante APAP, que sucedió de nuevo en 2018; aún basado en conversaciones. Y luego, en 2019, decidimos hacerlo. Bueno, todavía teníamos esas conversaciones, pero queríamos realmente llevarlo a la acción, ¿verdad? Así que curamos, recaudamos fondos y creamos los Diálogos de las Primeras Naciones que está basado en el performance. Se tuvieron performances, y clases, y fogatas  y conversaciones, y una ceremonia de apertura y una ceremonia de clausura. Y lo hicimos en colaboración con recintos de artes escénicas. Olvido el número de ellos, pero en toda la ciudad de Nueva York. Dijimos: “Estamos aquí y estamos en todas partes, y nuestro trabajo debería estar en estos festivales todo el tiempo,” ¿sabes? Entonces nuestro trabajo fue en el festival de La MaMa. Fue en Performance Space New York y su festival. Estaba en todos los espacios. No estábamos tratando de hacer un festival Indígena aquí. Estábamos intentando estar en todas partes. Quiero decir, para mí fue un momento de alegría por atestiguar cómo se construyeron esas relaciones y sus afinidades. Y hay desafíos, por supuesto, hay desafíos que continúan. Pero espero que sigamos encontrando formas de construir nuestros espacios Indígenas y de las Primeras Naciones, que operamos, que sostenemos, que tenemos las llaves, que son nuestros espacios para trabajar y desde donde construir. Y luego también para encontrar cómplices y construir relaciones complejas con, uh, organizaciones. Solo veo un camino realmente positivo hacia adelante.

P: Sí, yo también lo espero. Aprecio mucho el trabajo que has estado haciendo. Es realmente agradable, es muy reconfortante escuchar tu positividad en este momento. Y veo esto como un momento tan interesante que podemos frenar un poco y tomarse el tiempo de trabajar en estas redes, y trabajar en las relaciones y pensar en las cosas que hemos hecho en el pasado y cómo podemos volver a imaginarlas. Entonces, no vamos a volver a la normalidad, ¿sabes? No creo que esa sea la idea. Y estoy realmente inspirado por el nuevo sentido de normalidad en el que estás trabajando para crear en las artes escénicas. Entonces, no quiero tomar mucho más de tu tiempo. Quiero ser respetuoso de eso, y tenemos algunas preguntas de respuesta corta que me gustaría hacerte. Y también quería decir que todas las cosas de las que hemos estado hablando en este podcast, las enlazaremos a las redes. Los artistas, y todo. Si van a la entrevista en nuestra web, pueden encontrar todos esos enlaces para que la gente pueda navegar por este espacio y encontrar a estos artistas y ver su trabajo. Así que solo quería repasar algunas preguntas de respuesta corta que son inspiradas, más o menos, en la pandemia -ya que todos estábamos buscando formas de entretenernos y aprender cosas nuevas-. Así que tengo curiosidad por saber, ¿tienes un álbum de música favorito en este momento que estés disfrutando o escuchando, o que te gustaría recomendar?

E: Estoy escuchando mucho ahora la música de Raven Chacon. Sí, él y yo nos embarcamos en una colaboración juntos, así que voy a profundizar en el trabajo de los Ravens, así que, sí. Y es ¡tan maravilloso! Sí. Sí. Lo recomiendo mucho, mucho, mucho. Sí.

P: Sí. Yeah. Lo secundo, hay mucho en lo que profundizar, así que, sí. Prolífico. 

E: Y es como una variación, como, puedo poner un álbum y estoy en este mundo y luego poner otro álbum y es un mundo completamente diferente. Y yo, sí, estoy disfrutando ese proceso.

P: Excelente. Excelente. ¿Y te has tomado tiempo para ver películas o un film? ¿Tienes algo que hayas disfrutado?

E: ¡Mal! Solo he estado viendo Netflix!

P: ¿Es como un placer culpable? 

E: ¡Placer culpable! De hecho, necesito algunas buenas recomendaciones de películas porque no es un área en la que estoy bien informada. Y cuando llega la noche, quiero poner algo y tengo esta plataforma, entonces pienso que debería encontrar algo bueno. Ya sabes, es como mirar -lo cual no está mal-, pero eso es todos los días.

P: Si. Hay cosas buenas. Pero no puedo pensar en los nombres de los directores en este momento, tendré que enviarte un e-mail con los dos que acabo de ver. Uno que me viene a la mente -que acabo de ver-. Um, no sé si conoces a Blackhorse Lowe, pero él, sí. ¡Estoy quedando completamente en blanco en el nombre de la película en este momento! Tiene una buena. Si. Y hay otro. Oh, lo vi esta primavera, como un poco antes del cierre y todo eso, pero tendré que enviartelo por e-mail.

E: ¿Sabes?Blackhorse y yo nos conocimos en Tulsa, cuando estuve allí recién haciendo un proyecto con Sterlin Harjo, y eso me recuerda que vi la película de Sterling recién. Si. De hecho, lo vi en el cumpleaños de Sterling. Y yo estaba como, ok, no puedo estar con Sterling en este momento, pero para celebrar su cumpleaños voy a ver esta película. Y sí, es increíble.

P: Definitivamente es un buen cineasta para mirar. Sí. ¿Qué tal un libro favorito en el que has estado leyendo? 

E: Al comienzo de la pandemia, leí Pauline Alexis Gumbs, archivo M. Y fue simplemente impresionante. Quiero decir, el libro es impresionante. Y en este momento casi me deja sin aliento el solo hecho de pensar en él ahora. Recomiendo mucho ese libro y todo su trabajo, pero sí, ese libro fue realmente sorprendente.

P: Ah, ok. Tendré que descubrir eso yo mismo. Me da mucha curiosidad. Y ¿ tienes algo programado para  los primeros meses de 2021 de las que le gustaría hablar o informar a la gente?

E: Sí. Si estás en Lenapehoking, tenemos las fogatas. Se avecina una el 10 de diciembre (2020). Ese es, Joseph Pierce que reunirá a algunos artistas para compartir en esa. Y luego hay otra el 14 de enero, Tanya Marquardt está reuniendo a la gente para compartirlo. Entonces, si estás aquí, ven y reúnete con nosotros junto al fuego. En marzo, Socrates Sculpture Park estrenará una película -una versión en video-, una versión cinematográfica de una obra que hice en relación con la escultura de Jeffrey Gibson en el parque, que las esculturas de Jeffrey llamaron When You Enter My House, it Becomes Our House (Cuando Entras Mi Casa, se Transforme en Nuestra Casa). Y luego el trabajo que yo hice en él, tocamos en vivo para una pequeña audiencia en septiembre, se llamaba… veamos, es un título largo. Vemos si puedo recordarlo. Se llamó, The Ways We Love and the Ways We Love Better monumental movement toward being future beings (Las formas en que amamos y las formas en que amamos el mejor movimiento monumental hacia ser seres futuros) Así que la película se estrenará en marzo.

P: ¡Ok, excelente! Espero verlo. Definitivamente no podré estar allí para eso, pero esa es la gran y hermosa estructura piramidal que creaste, ¿correcto?

E: ¡Sí!

P: Oh, ¡wow! Bueno. Espero ver eso. Bueno, para terminar, tengo una última pregunta para ti. ¿Qué consejo te gustaría compartir, o compartirías con un joven que recién se está iniciando en tu campo o tal vez, piensa en algo que desees que alguien te hubiera dicho cuando estabas comenzando?

E: Sí. Primero, ok. Dos cosas vienen a mi mente. La primera es algo aburrido, pero serio. Es hacer un presupuesto, como aprender a que te guste diseñar un presupuesto y hacerlo. Como, aprender a amar la realización de un presupuesto real. Y entonces primero es como, ¿qué quieres? -volviendo a ese ‘querer’ de nuevo-. ¿Qué quieres en tu vida? Y ¿Cómo puede este recurso de dinero, ser parte de la construcción de lo que quieres que sea tu vida?, y ¿cómo puedes diseñar tus presupuestos de una manera en que lo sustente eso que quieres? De tal forma que al hacer nuestro trabajo y compartamos nuestro trabajo en un espacio de abundancia -en lugar de escasez, de “voy a sobrevivir”, o de hacerlo por “lo menos que se pueda”, tipo de espacio-. Realmente pienso en eso, en cómo la abundancia y la forma de construir un presupuesto sea fiel a tu vida y también que sea visionario, ¿sabes? Y es una lucha. Lucho con eso todavía. Y quizás… -tal vez esto esté relacionado-, deseo -y de nuevo, es algo que supongo que todavía lucho con-; es como, desearía haber sabido siempre… Eh, esta es una pregunta difícil en realidad, porque siempre he conocido el poder de la forma del cuerpo, ¿no? El poder del trabajo de cuerpo, que realmente es todo, ¿verdad? El poder de esta forma, de la danza y performance, y las formas en que nuestras historias, y nuestros pasados, y nuestras vidas, y nuestras visiones se activan cuando elaboramos, estructuramos y compartimos las historias a lo largo de nuestro trabajo. Um, siempre he creído en eso -incluso cuando no sabía qué era la danza-, sabía que tenía ese poder. Pero no siempre lo supe, y creo que todavía estoy tratando de entender el valor que tienen los trabajadores del arte, que nosotros como creadores tenemos en el mundo y qué es lo que se necesita para cambiar el mundo. Nosotros sabemos eso y podemos construirlo, y compartirlo. Y supongo que ese valor, el sentido de ese valor, hubiese deseado tener un conocimiento más sólido sobre eso y espero que colectivamente podamos comenzar a sentir eso aún más.

P: Si. Creo que esas son palabras brillantes para cerrar, muy importantes para que todos las tengamos en cuenta. Aprecio mucho tu tiempo, Emily. No quiero tomar más de tu tiempo. Escuché a tu perro

E: Está durmiendo ahora. Seguramente quiere salir.

P: ¡Espero con ansia ver cómo resulta todo! Te deseo protección y prosperidad en estos próximos proyectos, y claridad sobre cómo continuar en los próximos meses. ¡Espero volver a verte en persona cuando todo sea más seguro hacerlo!

E: Cuídate. Ha sido muy lindo platicar. 

P: Espero que hayan disfrutado de este tiempo con Emily tanto como yo. Esta conversación solo es una probadita de su arte y su trabajo de defensa. Tómate un espacio para visitar Creando nuevos futuros,  creatingnewfutures.tumblr.com y el sitio web de Emily: www.catalystdance.com.

Referencias:

1. Land Back: https://landback.org/
2. Premio Bessie: https://bessies.org/
3. Becaria Guggenheim: https://inliquid.org/opportunity/john-simon-guggenheim-memorial-foundation-fellowship/?gclid=Cj0KCQjw4cOEBhDMARIsAA3XDRhVht8NY64gXZe9ubAsBBcXtk-sJGh4Lur6iBFZRqc1O-blAxMx8x4aAocREALw_wcB#
4. Doris Duke Artist Award: https://www.ddcf.org/what-we-fund/performing-arts/goal-and-strategies/support-for-artists/unrestricted-support-for-artists/doris-duke-artist-awards/
5. Lenapehoking : https://es.wikipedia.org/wiki/Lenape
6. Yup’ik: https://es.wikipedia.org/wiki/Yupik
7. Mannahatta: https://www.mcny.org/exhibition/mannahattamanhattan
8. Abrons Arts Center: https://www.abronsartscenter.org/
9. Karyn Recollet: https://www.ideas-idees.ca/annualconference-karynrecollet
10. Creando Nuevos Futuros: Pautas para la Ética y la Equidad en las Artes Escénicas: https://creatingnewfutures.tumblr.com/
11.  Red de Artes Escénicas de las Primeras Naciones:   https://www.nytimes.com/2019/01/01/arts/dance/02firstnations.html
12. Tanaina land / Dena’ina: https://es.wikipedia.org/wiki/Tanaina
13. Alaska: https://es.wikipedia.org/wiki/Alaska  
14. Yup’ik: https://es.wikipedia.org/wiki/Yupik 
15. Península de Kenai: https://es.wikipedia.org/wiki/Pen%C3%ADnsula_de_Kenai 
16. Florida State University: https://www.fsu.edu// 
17. The Thank-You Bar: http://www.catalystdance.com/thankyoubar
18. University de Minnesota: https://twin-cities.umn.edu
19. Diné: https://es.wikipedia.org/wiki/Nación_Navajo  
20. Primeras Naciones: https://es.wikipedia.org/wiki/Naciones_Originarias_de_Canadá  
21. Shore: http://www.catalystdance.com/shore
22. Niicugni: http://www.catalystdance.com/2012
23. Audrey Armstrong: https://salmonlife.org/archived/stories/salmon-sewing/ 
24. Vermont Performance Lab: https://www.vermontperformancelab.org
25. Sara Coffey: https://www.vermontperformancelab.org/about/who-we-are 
26. Native American Community Development Institute: https://www.nacdi.org
27. Río Connecticut: https://es.wikipedia.org/wiki/R%C3%ADo_Connecticut
28. Huracán Sandy: https://es.wikipedia.org/wiki/Huracán_Sandy  
29. Dakota: https://es.wikipedia.org/wiki/Siux  
30. Mona Smith: https://en.wikipedia.org/wiki/Mona_Smith_(artist)
31. Gwen Westerman: https://www.gwenwesterman.com 
32. Kate Bean: https://visionmakermedia.org/mankiller-2/ 
33. Cree: https://es.wikipedia.org/wiki/Cree  
34. APAP: https://www.apap365.org
35. First Nations Dialogues: http://www.catalystdance.com/first-nations-dialogues
36. Blak Dance: https://www.blakdance.org.au 
37. Performance Space New York: https://performancespacenewyork.org 
38. Lois Weaver: https://hemisphericinstitute.org/es/enc09-trasnocheo/item/371-09-lois-weaver.html
39. Lenapehoking: https://en.wikipedia.org/wiki/Lenapehoking
40. La MaMa: http://lamama.org 
41. Raven Chacon: https://www.nativeartsandcultures.org/raven-chacon 
42. Blackhorse Lowe: https://www.imdb.com/name/nm1503430/  
43. Sterlin Harjo: http://www.sterlinharjo.com/bio
44. Pauline Alexis Gumb: https://www.alexispauline.com 
45. M Archive: https://www.dukeupress.edu/m-archive 
46. Joseph M Pierce: https://www.josephmpierce.com 
47. Tanya Marquardt: https://www.tanyamarquardt.com 
48. Socrates Sculpture Park: https://socratessculpturepark.org
49. Jeffrey Gibson: https://www.jeffreygibson.net 
50. When You Enter My House, it Becomes Our House (Cuando Entras Mi Casa, se Transforme en Nuestra Casa): https://socratessculpturepark.org/artist/jeffrey-gibson/ 
51. The Ways We Love and the Ways We Love Better monumental movement toward being future beings: https://socratessculpturepark.org/program/johnson-performs/ 

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